{"id":4782,"date":"2020-04-03T23:02:26","date_gmt":"2020-04-03T23:02:26","guid":{"rendered":"http:\/\/www.periodicolapislazuli.com\/noticias\/?p=4782"},"modified":"2020-04-11T21:40:11","modified_gmt":"2020-04-11T21:40:11","slug":"cinco-peliculas-sobre-arte-y-artistas","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.periodicolapislazuli.com\/noticias\/cinco-peliculas-sobre-arte-y-artistas\/","title":{"rendered":"Cinco pel\u00edculas sobre Arte y Artistas \ud83c\udfa5 \ud83c\udfac | Cinencuentro FUNLAZULI"},"content":{"rendered":"
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El cine es, quiz\u00e1s, una de las mejores herramientas para dar cuenta de la vida de artistas o la historia de obras que, con el tiempo, se han constituido como pilares para el desarrollo del arte actual. Las pel\u00edculas que ahondan en los aspectos espec\u00edficos de un estilo, movimiento art\u00edstico o de la vida de un artista, se presentan como el material perfecto para acercarse a historias fascinantes y abrirle la puerta al entendimiento y disfrute del arte.\u00a0 | FUNLAZULI\u00a0 |\u00a0 WWW.PERIODICOLAPISLAZULI.COM |<\/p>\n

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CAVE OF FORGOTTEN DREAMS<\/strong><\/p>\n

Cave of Forgotten Dreams<\/em> es un documental realizado por Werner Herzog en el 2010. Aquellos familiarizados con el estilo del director alem\u00e1n, sabr\u00e1n que la pel\u00edcula est\u00e1 cargada de un dramatismo, que, en esta ocasi\u00f3n se debe principalmente a la elecci\u00f3n de la m\u00fasica y la narrativa que la acompa\u00f1an. Durante poco menos de una hora y media, Herzog se adentra en la cueva de Chauvet en Ard\u00e8che, Francia, para filmar las pinturas rupestres m\u00e1s antiguas descubiertas hasta el momento. Adem\u00e1s, realiza una serie de entrevistas a un equipo de arque\u00f3logos, historiadores del arte y paleont\u00f3logos que desde 1994 se han dedicado a estudiar la estructura de la cueva, los huesos encontrados y los patrones de dibujos sobre las formaciones rocosas.<\/p>\n

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Pese a las dif\u00edciles condiciones que Herzog enfrenta a la hora de grabar, las im\u00e1genes de las pinturas rupestres y las formaciones de estalactitas resultan impresionantes. El equipo juega con las luces para intentar entender c\u00f3mo se ve\u00edan los dibujos a la luz de las antorchas, lo que genera un resultado bell\u00edsimo; un movimiento en las figuras que hace alusi\u00f3n a una estampida y por un momento le da vida a lo inanimado. Cave of Forgotten Dreams <\/em>es un documental muy valioso, no s\u00f3lo porque evidencia expresiones pict\u00f3ricas que fueron realizadas sin ning\u00fan pre-concepto est\u00e9tico hace miles de millones de a\u00f1os, sino tambi\u00e9n porque muestra la importancia que la imagen ha tenido para el desarrollo de la sociedad desde el origen de los tiempos.<\/p>\n

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Entender la relaci\u00f3n que los primeros hombres ten\u00edan con las im\u00e1genes es tarea dif\u00edcil, sin embargo, las pinturas evidencian el car\u00e1cter m\u00e1gico que les era atribuido y que a\u00fan hoy poseen. Sin duda, este es uno de esos documentales que abre la puerta a la discusi\u00f3n sobre si los dibujos rupestres se constituyen como la primera expresi\u00f3n art\u00edstica en existir. En este efecto, vale la pena verlo y construir una opini\u00f3n con base en la naturaleza de las pinturas, pues as\u00ed como ignoramos cu\u00e1l fue el comienzo del lenguaje, tambi\u00e9n ignoramos cu\u00e1l fue el del arte, y s\u00f3lo un verdadero acercamiento a las im\u00e1genes y a su funci\u00f3n, al mismo tiempo que a los estudios que han permitido entender c\u00f3mo fueron hechas y cu\u00e1l era su objetivo, puede esclarecer una de las preguntas que han marcado la Historia del Arte desde su inicio hasta hoy.<\/p>\n

FRIDA<\/strong><\/p>\n

Frida<\/em> es una pel\u00edcula dirigida por Julie Taymor y\u00a0Miramax Films, producida por las compa\u00f1\u00edas VentanaRosa y Lion Gate Films en el 2002. Este drama que durante dos horas da cuenta de la vida de una de las pintoras mexicanas m\u00e1s importantes del siglo XX: Frida Kahlo, se enfoca principalmente en la fortaleza de la artista frente a su accidente y a su relaci\u00f3n con Diego Rivera, uno de los muralistas m\u00e1s destacados de principios del siglo pasado. La historia est\u00e1 basada en el libro que la historiadora estadounidense Hayden Herrera escribi\u00f3 sobre la vida de Frida, lo que se evidencia en la importancia que se le da a los detalles biogr\u00e1ficos acerca de su vida sentimental, las consecuencias del incidente que la dej\u00f3 inv\u00e1lida y el desarrollo de su quehacer art\u00edstico.<\/p>\n

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Uno de los elementos m\u00e1s interesantes y bonitos de la pel\u00edcula, m\u00e1s all\u00e1 de la ventana que abre al conocimiento de la vida de la artista, es la manera en la que las pinturas cobran vida y se fusionan con las escenas de la realidad; se podr\u00eda decir que en una suerte de intento por llevar la esencia del surrealismo a la pantalla grande. Los colores vibrantes y la textura de los pigmentos se tornan reales a trav\u00e9s del stop-motion<\/em>\u00a0y se mezclan con los sue\u00f1os que la protagonista tiene, y a partir de los cuales derivan sus obras. Esto hace que la pel\u00edcula oscile entre la realidad y la ilusi\u00f3n, lo que es, finalmente, la caracter\u00edstica m\u00e1s fuerte de la obra de Kahlo.<\/p>\n

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Sin duda, Frida <\/em>es una pel\u00edcula que siembra una semilla de inter\u00e9s con respecto al desarrollo del arte mexicano en las primeras d\u00e9cadas del siglo XX, tanto por el arte de Kahlo como el de su esposo Diego Rivera. Del mismo modo, evidencia la importancia del arte durante la revoluci\u00f3n zapatista y de la relaci\u00f3n arte-pol\u00edtica, que, a\u00fan hoy atraviesa las manifestaciones de arte contempor\u00e1neo, no s\u00f3lo en Am\u00e9rica Latina sino a nivel mundial. Finalmente, la pel\u00edcula le da un peso significativo a la influencia que la cultura mexicana y el indigenismo tuvieron en la obra de Frida sin caer en clich\u00e9s, al mismo tiempo que valora las ideas humanistas que se concibieron en la \u00e9poca y la opini\u00f3n de la mujer, por m\u00e1s pol\u00e9mica que llegase a ser.<\/p>\n

BASQUIAT<\/strong><\/p>\n

Basquiat <\/i>es una pel\u00edcula dirigida por Julian Schnabel en 1996. El drama, de 108 minutos, se enfoca en la vida del artista estadounidense Jean-Michelle Basquiat, quien pas\u00f3 de vivir en la calle y pintar grafiti bajo el seud\u00f3nimo de SAMO, a convertirse en uno de los pintores neo-expresionistas m\u00e1s importantes de la d\u00e9cada de los 80. El ambiente del filme da cuenta de la \u00e9poca post-punk en Nueva York cuando el arte callejero comenz\u00f3 a establecerse como una forma de expresi\u00f3n aceptada por las \u00e9lites, y, por lo tanto, empez\u00f3 a ser exhibido en las galer\u00edas importantes de la ciudad. Schnabel acerca al espectador a un mundo\u00a0underground<\/em> en el que pintores y m\u00fasicos se reun\u00edan en lugares como el Mudd Club y en los espacios culturales del\u00a0Soho,\u00a0<\/em>lo que result\u00f3 en el surgimiento de una contra-cultura.<\/p>\n

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El arte de Basquiat se nutre de elementos del expresionismo post-guerra en Estados Unidos, y, adem\u00e1s, tiene una fuerte influencia de sus ra\u00edces haitianas y puertorrique\u00f1as. Esto, sin duda, abre una cuesti\u00f3n en torno al lugar del artista negro en la sociedad norteamericana de la \u00e9poca, pues a medida que su fama iba creciendo, \u00e9ste tuvo que verse enfrentado a comentarios y cr\u00edticas con respecto a su raza que parec\u00edan condicionar la forma en la que su arte era interpretado. Dicho esto,\u00a0Basquiat<\/em>\u00a0es una pel\u00edcula que vale la pena ver, no s\u00f3lo por su enfoque biogr\u00e1fico sino tambi\u00e9n por la inclusi\u00f3n de escenarios, personajes y m\u00fasica que acercan al observador al Nueva York de los 80. Sin embargo, hay que tener en cuenta que puede llegar a ser un poco dura, ya que conforme el artista avanza en la escala de reconocimiento social, tambi\u00e9n lo hace su adicci\u00f3n a las drogas y sus problemas internos, que, finalmente, son aquello que acaba con su vida a una temprana edad.<\/p>\n

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP<\/strong><\/p>\n

Exit Through the Gift Shop\u00a0<\/em>es un documental dirigido por el artista ingl\u00e9s Banksy en el 2010. Por poco menos de una hora y media, el espectador se adentra en la vida de Thierry Guetta, un franc\u00e9s que vive en Los \u00c1ngeles, y que tiene una obsesi\u00f3n por los videos y las pel\u00edculas caseras. Guetta, para su fortuna, resulta ser el primo de uno de los artistas callejeros m\u00e1s reconocidos a nivel mundial: Invader, quien decide llevarlo con \u00e9l mientras interviene las calles de Francia con sus reconocidos mosaicos de pixeles. Despu\u00e9s de un tiempo y de conocer otros renombrados artistas de grafiti\u00a0<\/em>como Shepard Fairey, Guetta se obsesiona con las expresiones de arte callejero y expone que desea realizar un documental sobre\u00a0street art\u00a0<\/em>con el \u00fanico objetivo de conocer a Banksy.<\/p>\n

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La historia toma un giro inesperado cuando Banksy decide ponerse detr\u00e1s de c\u00e1maras y le pide a Guetta que haga arte, quien, sin ninguna objeci\u00f3n, planea un show de gran magnitud bajo el seud\u00f3nimo de Mr. Brainwash. Es aqu\u00ed donde los m\u00e1s sensibles, y sobretodo aquellos que han recibido una educaci\u00f3n art\u00edstica, pueden llegar a sentirse indignados. Guetta o Mr. Brainwash, como quieran llamarlo, consigue vender todas sus piezas a precios exorbitantes y adem\u00e1s logra una exclusiva en el L.A. Weekly. Esto, sin duda alguna, abre la discusi\u00f3n en torno a los l\u00edmites del arte: \u00bfqu\u00e9 es arte, qu\u00e9 no lo es, y por qu\u00e9? Del mismo modo, evidencia el funcionamiento del mercado del arte contempor\u00e1neo, que, en ocasiones se mueve debido al nombre del artista y no a la calidad de su producci\u00f3n. En este efecto, se podr\u00eda decir que lo que hace Banksy durante noventa minutos es cuestionar el valor del arte y la validez del mundo en el que \u00e9ste se mueve.<\/p>\n

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Exit Through the Gift Shop<\/em> es un filme que vale la pena ver si se lee entre l\u00edneas, pues lo realmente importante est\u00e1 m\u00e1s all\u00e1 de lo literal. Sin embargo, tambi\u00e9n resulta significativo si entre sus intereses\u00a0est\u00e1n el grafiti y las expresiones de arte callejero, pues le muestra al p\u00fablico c\u00f3mo fueron los inicios de esta pr\u00e1ctica que ha ido tomando fuerza con el paso de los a\u00f1os y cu\u00e1les fueron sus primeros exponentes. As\u00ed, de la mano de grandes como Invader, Ron English, Shepard Fairey e incluso Banksy, es posible entender de qu\u00e9 manera se operaba a la hora de intervenir un espacio p\u00fablico cuando esta acci\u00f3n era completamente ilegal y mucho m\u00e1s dif\u00edcil de lo que es ahora.<\/p>\n

AI WEIWEI: NEVER SORRY<\/strong><\/p>\n

Ai Weiwei: Never Sorry <\/em>es un documental acerca del artista chino Ai Weiwei, dirigido por Alison Klayman en el 2012. Durante una hora y media, el artista, como protagonista, expone las razones por las cuales decidi\u00f3 convertirse en un activista pol\u00edtico tomando el arte como un medio para expresar sus ideas. Si fuera posible definir el filme con una palabra, \u00e9sta sin duda ser\u00eda: fuerte, pues confronta al espectador con im\u00e1genes que evidencian el abuso de poder de parte de la polic\u00eda en China al igual que la corrupci\u00f3n del sistema. La cuesti\u00f3n que atraviesa el gui\u00f3n es: \u00bfqu\u00e9 pasa cu\u00e1ndo el l\u00edmite entre arte y pol\u00edtica se desvanece por completo?, sobretodo en un pa\u00eds en donde el gobierno apoya la violencia frente a aquellos que no est\u00e1n de acuerdo con su r\u00e9gimen. Al final del documental el espectador obtiene su respuesta, que, siendo poco favorable, plantea una duda acerca del futuro de los artistas que deciden explorar l\u00edneas pol\u00edticas en pa\u00edses en donde claramente no existe la libertad de expresi\u00f3n.<\/p>\n

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Este documental contiene material que vale la pena ver, m\u00e1s si le interesa la obra de Ai Weiwei, quien, adem\u00e1s de velar por los derechos de sus compatriotas, tambi\u00e9n es uno de los artistas chinos m\u00e1s reconocidos a nivel mundial. Su obra cuestiona la cultura y su evoluci\u00f3n, al igual que las pol\u00edticas sociales de su pa\u00eds, utilizando, en la mayor\u00eda de los casos, la repetici\u00f3n como un arma para desproveer de sentido a las cosas. Como parte de su producci\u00f3n, Ai Weiwei realiza una serie de acciones, acompa\u00f1ado siempre por voluntarios que apoyan su causa, con el objetivo de desenmascarar al gobierno Chino, las cuales no lo han privado\u00a0de ser invitado a una serie de bienales y exposiciones en instituciones culturales de renombre como la Tate Gallery en Londres, el Haus der Kunst en M\u00fanich o el Brooklyn Museum en Nueva York. Sin embargo, s\u00ed lo han convertido en v\u00edctima de golpes, persecuciones e incluso prohibiciones con respecto a su movimiento en el pa\u00eds, las cuales, gracias a su equipo han quedado grabadas en c\u00e1mara.<\/p>\n

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